EL JAZZ


El Jazz es uno de los fenómenos musicales más relevantes del siglo XX. En la actualidad cuando hablamos de Jazz nos referimos a un género musical que está en constante cambio, un estilo muy permeable que ha sufrido inmensas mutaciones pero que mantiene ciertas características que lo hacen reconocible y que son fruto de sus orígenes y evolución.
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Como sucede en otros géneros, en el Jazz encontramos una serie de composiciones que forman lo que se podría denominar “repertorio clásico” y que se conocen con el nombre de Standards. No existe una lista cerrada y cualquier composición puede convertirse en uno de ellos en el momento en que adquiere un significado especial entre los músicos que pasan a interpretarlo con frecuencia.
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Esto es posible en gran medida gracias a que la distancia existente entre intérprete y compositor es mucho menor que la que vemos en otras músicas como la, comúnmente llamada “música clásica” donde, sobre todo en los últimos 300 años y con contadas excepciones, la libertad del intérprete para modificar el contenido de la partitura ha sido muy limitada.
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Por su parte en el Jazz la partitura es, con frecuencia, apenas una descripción de la melodía y la armonía, un guión, un esquema que el intérprete toma y adapta a su forma de tocar y sobre el que proyecta su propia creatividad. Así, más que como un repertorio de melodías concretas hay que entenderlo como una actitud que adopta un compositor o intérprete a la hora de hacer su música.
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La naturaleza flexible del Jazz ha favorecido, hoy más que nunca, que se abra a la influencia de muchos estilos derivando en una inmensidad de fusiones que van del jazz-flamenco al jazz-rock pasando por el folk-jazz, el latin-jazz o incluso llegando a felices encuentros con la música electrónica, el hip-hop o la música pop.
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No obstante, a pesar de esta gran flexibilidad, existen una serie de constantes relacionadas con el tipo de intervalos y escalas utilizadas para crear las melodías y armonías, con el ritmo y los fraseos. A esto hay que unir la importancia que tiene la improvisación como una forma de recrear y crear abriendo un espacio en el que el intérprete se equipara al compositor y lo hace en tiempo real, prácticamente sobre la marcha y encima del escenario.

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1. CARACTERÍSTICAS (ritmo, armonía y melodía)

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Ritmo
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El Jazz ha adoptado un perfil rítmico muy característico que se puede considerar como uno de sus elementos más diferenciadores. La mayoría de la música occidental se ha construido sobre la acentuación de los tiempos 1º y 3º en un compás de cuatro partes (pulsos).
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ejemplo1

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Pero en el caso del Jazz se tiende a acentuar el 2º y el 4º.

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ejemplo2
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Toca los dos ejemplos anteriores con las palmas o con unas claves y luego prueba el siguiente donde aparecen diferentes formas de acentuación.
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ejemplo3
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Además la habitual división de corcheas iguales (de la misma duración) se desvía en favor de la primera, que ahora adquiere mayor duración y, consecuentemente, un mayor protagonismo. Se construye así un fraseo de Swing donde la segunda nota de cada pareja de corcheas se convierte en una especie de punto de apoyo. Esta práctica entraría dentro de lo que músicos saben y ponen en práctica sin que esté escrito.
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De este modo las corcheas aparecen representadas en la partitura de forma convencional pero el intérprete sabe que debe aplicar esta modificación en favor de la primera de cada par.
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Así es como aparece escrito
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ejemplo4
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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/01sinswing.mp3]
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Si lo escribiésemos como lo interpretaría un músico de Jazz la partitura quedaría, aproximadamente, de la siguiente manera:

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ejemplo5
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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos//02conswing.mp3]
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En realidad el Swing no es una división exacta y es, junto al uso de síncopas (notas desplazadas) y a la acentuación de los tiempos 2º y 4º, lo que genera esa especie de emoción, esa sensación de movimiento que nos atrapa, conocida como “felling” y que puede ser comparable a lo que en el flamenco se llama “duende” y en el Hip-hop “flow”.
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Ahora escucha un ejemplo en el que se juntan todos estos elementos. Es “I Got Rhyhm” (Tengo el ritmo) de George Gershwin.
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Vamos a trabajar sobre un tema similar llamado “Broken Chart” de Abe Rábade.

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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/04BrokenChart.mp3]
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Algunos estudiosos han planteado que estas peculiaridades rítmica provienen de la raíces africanas de las que bebe el Jazz pero otros han proponen que fue el sonido de los trenes el que podría haber dejado esta cadencia rítmica en el subconsciente de los músicos.
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Armonía y melodía
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Las armonías utilizadas en el jazz también marcan cierto carácter especial respecto a otras músicas. Los acordes sobre los que se crea el acompañamiento confieren a las composiciones una sonoridad peculiar. Si bien existen múltiples aspectos de la armonía de Jazz que la hacen fácilmente reconocible una de las características más notables es el uso de acordes diferentes de las de triadas (acordes de tres notas) a las que nuestro oido esta más acostumbrado.

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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/05triadas.mp3]
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En el Jazz es muy habitual utilizar acordes de cuatro notas (cuatriadas). Aquí tienes un ejemplo de la forma más sencilla en la que suelen aparecer, aunque es frecuente que se complique mucho más para buscar diferentes sonoridades completando las notas fundamentales que toca el bajo.

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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/06cuatriadas.mp3]
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Las melodías se construyen a partir de las notas de estos acordes intercalando otras diferentes y la suma de todas da lugar a las escalas. Así cuando está sonando una de estas columnas de notas en el acompañamiento la melodía puede optar por escoger una nota que está en el acorde dando una sensación de estabilidad (consonancia) favorecida por la coincidencia, o dar una nota diferente provocando una aparente inestabilidad (tensión). La forma en la que el Jazz utiliza estas tensiones en la melodía le da también parte de su carácter.

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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/07tensiones.mp3]
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Además con frecuencia encontramos otras melodías basadas en una escala propia de uno de los estilos que más ha influido en el Jazz: El Blues. Este estilo se basa en escalas pentatónicas (de cinco notas), algo que aparece como una constante en el origen de prácticamente todos los sistemas musicales.
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Si esta es la escala con la que probablemente los alumnos estén más familiarizados:

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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/08escala mayor.mp3]
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La pentatónica quedaría así (eliminando la nota número 4 y 7).
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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/09pentatonica.mp3]
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A partir de esta escala se introdujeron modificaciones, diferentes variaciones y notas cromáticas, “blue notes” (b.n.), que le dan un sonido especial y crean una escala conocida habitualmente como escala de BLUES.
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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/10bluenotes.mp3]
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Para apreciar el sonido de estas escalas puedes escuchar un fragmento del tema “Lady signs the blues” (La dama canta Blues) en un concierto de Billy Hoiday.

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2. IMPROVISACIÓN

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La improvisación ha ocupado y ocupa un lugar muy destacado en la creación musical de muchas culturas. A pesar de que la llamada “música clásica” parece haber huido de esta práctica sobre el escenario, especialmente durante el siglo XIX, existen numerosos indicios y alusiones a que era un hábito muy extendido en épocas como la Edad Media, el Renacimiento o el Barroco.
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En realidad la mayoría de las composiciones son, en mayor o menor medida, el resultado de un proceso de improvisación basado en un ensayo de prueba/error. En Conciertos como los escritos por Mozart o Beethoven, por citar dos nombres de referencia, donde un instrumento es arropado por una orquesta, se reservaba una parte llamada Cadencia en la que el solista debería mostrar su capacidad para improvisar sobre el material temático de la obra. Incluso se suele atribuir cierto carácter improvisado a obras de compositores Románticos como Chopin que se agrupaban bajo el títulos genéricos de Improntu.
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El problema para rastrear las prácticas improvisadas a lo largo de la historia de la música occidental, antes de que se inventase un sistema de grabación del sonido entorno a 1877, es que su propia naturaleza hace que no quedase prácticamente rastro de ellas más allá de descripciones o comentarios.
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En el siglo XX ha habido muchos intentos de profundizar en el potencial de la improvisación como proceso creativo ya fuese desde el ámbito de la música popular como desde el de la música académica cuyos intereses parecen tocarse en ocasiones.
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Por su parte en otras culturas no occidentales la improvisación es una práctica muy frecuente como es el caso de la música del India que ha desarrollado un elaborado sistema de improvisación basado en estructuras llamadas Ragas y Talas.
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En el contexto del Jazz también se suelen utilizar estructuras para organizar las improvisaciones. Estos esqueletos se repiten permitiendo al solista correspondiente tener cierta previsión de lo que va a suceder y encajar su expresión e ideas sonoras en el entramado que construyen el resto de los músicos.
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En realidad es como recorrer un camino que conocemos, o incluso jugar a un video juego; sabemos donde estamos y tenemos una expectativa de lo que viene a continuación pero tenemos un amplio margen para abordarlo y reaccionar de diferentes maneras.
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Una de las estructuras más simples utilizadas para improvisar es la de Blues que puede reducirse al uso de tres acordes (las cuatríadas construidas sobre los grados I, IV y V) distribuidas en 12 compases y cuya principal característica es el descenso del grado V al IV hacia el final de la serie. Esta sería la llamada rueda de Blues:

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ejem6
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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/12Night Train.mp3]

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Otra estructura muy frecuente es la que escuchaste antes, escrita por Gershwin que pasó a conocerse con el nombre de Rhythm Changes que implica mayor número de acrodes pero que mantiene esa idea recurrente que posibilita la improvisación.
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Normalmente cuando se interpreta un tema jazz se toca primero la melodía para que se reconozca y después se pasa a los turnos de improvisación sobre el acompañamiento. Es como si se tratase de un conversación o un debate, se plantea un tema sobre el que hablar y después cada uno de los intérpretes expone su opinión.

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3. INSTRUMENTACIÓN

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A pesar de que el contenido de este concierto se interpretara básicamente al piano creo que puede ser interesante apuntar ciertos detalles sobre otros instrumentos y señalar algunas de sus peculiaridades tímbricas. En realidad cualquier instrumento puede interpretar Jazz pero existen unos cuantos que, por diferentes razones, han ido adquirido un mayor protagonismo.
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Así los instrumentos mezclan sus sonidos y se alternan creando diferentes texturas y combinaciones tímbricas.
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La formación más numerosa es la que se conoce con el nombre de Big Band (Gran Banda). Aunque el número de componentes puede variar va aproximadamente de los 15 a los 25 músicos constituyendo una agrupación que destaca por la fuerza de los instrumentos de viento metal (trompetas, trombones, saxofones…) que interpretan los arreglos sobre una sección rítmica (piano, guitarra, bajo, batería…) . Estos arreglos suelen reducir bastante los espacios para la improvisación. La Big Band sería el equivalente a lo que en el contexto de la música clásica es la Orquesta Sinfónica.
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No obstante es habitual encontrar otras combinaciones instrumentales más reducidas (trio, cuarteto, quinteto, sexteto…) o incluso interpretaciones en solitario, especialmente cuando se trata de instrumentos armónicos como el piano o la guitarra.
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Los instrumentos que más se repiten en estas afrupaciones son:
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Viento
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Saxo
Es uno de los instrumentos melódicos solistas que con mayor frecuencia se asocia con las sonoridades del Jazz por su carácter expresivo y su versatilidad consiguiendo tanto timbres muy dulces como agresivos. Entre los principales nombres asociados con este instrumento encontramos los de Charlie Parker, Gerry Mulligan, John Coltrane, Roland Kirk o Stan Getz entre muchos otros.
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Trompeta
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La trompeta es junto al saxo uno de los instrumentos solistas de mayor tradición dentro del Jazz. Sus posibilidades tímbricas se han extendido gracias al uso de la sordina colocada en la campana (pabellón que se abre al final del instrumento y por el que se proyecta el sonido). Existen diferentes modelos de sordinas y se utilizan para moderar la intensidad y dulcificar su sonido, pero en ocasiones también se puede usar para conseguir diferentes efectos, como por ejemplo el wah-wah. Entre los trompetistas más destacado encontramos a Chet Baker, Clifford Brown, Dizzy Gillespie, Fast Navarro, Louis Armstrong, Miles Davis, Wynton Marsalis…
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Clarinete
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El clarinete usa el mismo sistema que el saxofón para producir el sonido: la vibración de una lengüeta simple. Sin embargo el timbre que produce es diferente siendo algo menos estridente. Uno de los efectos más llamativos son los glissandi y entre los nombres más destacados están Artie Shaw, Benny Goodman, Ed Hall, Eddie Daniels, Jimmy Dorsey…
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Cuerda
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Contrabajo
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El contrabajo se encarga de soportar, junto a la batería, la mayor parte del peso rítmico de las formaciones de Jazz. Del mismo modo que sucede con otros instrumentos que participan en la Orquesta Sinfónica, los intérpretes de Jazz que usan el contrabajo buscan un sonido diferente. En general intentan potenciar su papel rítmico tendiendo a realizar ataques cortos y notas contundentes mediante los pizzicato. Algunos nombres asociados con este instrumento son Charles Mingus, Charlie Haden, Gary Peacock, Stanley Clarke.
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En ocasiones el contrabajo puede ser sustituido por un bajo eléctrico.
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Guitarra
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La guitarra aprovecha tanto sus posibilidades rítmicas como armónicas y melódicas. La gama de matices y el volumen que este instrumento puede alcanzar se vio incrementado gracias a la introducción de los amplificadores y las primeras guitarras eléctricas en la década de 1930 permitiendo colocarla al mismo plano que el resto de los instrumentos. Django Reinhardt, John McLaughlin, John Scotfield, Pat Metheny, West Montgomery, entre otros, consagraron su virtuosismo a este instrumento.
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Piano
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A diferencia de la guitarra donde las cuerdas se tocan directamente con los dedos o se puntean con un pequeño accesorio llamado púa, el piano, que es el instrumento que protagoniza este concierto, pone las cuerdas en vibración al golpearlas con una serie de martillos accionados por un teclado. Uno de los estilos que están en la base del Jazz y que ha condicionado, en gran medida, el desarrollo técnico de este instrumento en el contexto del Jazz es el Ragtime, y especialmente la figura de Scott Joplin.

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[audio: http://www.sondames.org/Audio/ejemplos/20TheEntertainer.mp3]
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La mayoría de las técnicas utilizadas por los pianistas de Jazz son similares a las utilizadas en el piano “clásico”, aunque siempre atendiendo a las escalas, armonías y ritmos propios. Sobre todo en las improvisaciones se establece una clara diferencia entre la mano izquierda, que suele interpretar diferentes arreglos de los acordes, y la mano derecha que realiza la improvisación melódica.
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En los últimos años la ampliación de sus sonoridades han provocado que los músicos experimenten con el interior del instrumento tocando las cuerdas directamente sin utilizar el teclado. Esta técnica había sido utilizada con antelación por músicos experimentales como Henry Cowell o John Cage, e incluso algunos autores aluden a pianistas de Blues que introducían trozos de papel entre las cuerdas para conseguir un timbre más estridente o tocando el piano “por dentro”, frotando, punteando y parando (muteando) las cuerdas con la mano.
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Entre los pianistas de Jazz más destacados están Duke Ellington, Bill Evans, Bud Powell, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Keith Jarrett, McCoy Tyner, Thelonius Monk…
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Percusión
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Batería
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La batería es un conjunto de instrumentos de percusión organizados de tal manera que una sola persona pueda interpretarlos simultáneamente. La configuración puede variar, pero lo habitual es que al menos tenga un charles (dos platos que suenan al chocar uno contra el otro) y un bombo, accionados ambos mediante pedales, una caja (tambor con bordón), un timbal (o más) y barios platos para todo lo que el intérprete utiliza un par de baquetas. La batería es el motor rítmico pero también suele intervenir como solista.
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Entre los baterías que mayor influencia han tenido están Art Blakey, Gene Kupra, Max Roach, Papa Jo Jones,
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Vibráfono
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Como la batería el vibráfono es un instrumento de percusión en el que se utilizan baquetas pero que puede interpretar diferentes alturas ya que sus placas están afinadas. Es como un Xilófono con placas de metal que además tiene un motor que hace que creando un efecto vibratorio muy característico que le da nombre. Dos de los más improtantes vibrafonistas son Bobby Hutcherson, Gury Burton, Lionel Hampton Y Milt Jackson.
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Voz
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La voz también ha buscado sus propias sonoridades dentro del Jazz. A parte de aplicar todo lo que se refiere a las peculiaridades rítmicas y melódicas anteriormente mencionadas utiliza una técnica diferente a la que solemos escuchar en el contexto de la música “clásica” disponiendo de uyn amplio margen dinámico que se vio favorecido por la utilización del micrófono. Una de las técnicas más llamativas es el Scat que consiste en imitar sonidos instrumentales (onomatopeyas) en pasajes improvisados.

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Esta técnica que busca instrumentalizar la voz es uno de los precedentes del fenómeno vocal surgido en el mundo del Hip-hop y conocido con el nombre de Beat -Boxing técnica que intenta imitar las cajas de ritmos electrónicas utilizadas en este estilo.
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En la actualidad existen intérpretes de cualquier instrumento que se han acercado al Jazz desde algunos más convencionales como el órgano Hammond, el acordeón, el violín o la armónica a otros tan extraños como el Theremin (TED tv).

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4. UN POCO DE HISTORIA (algunos estilos y fusiones)

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La mayoría de los especialistas coinciden en situar los orígenes del Jazz en el sur de la costa este de los EE.UU., concretamente en la ciudad de Nueva Orleans donde se concentraba una importante parte de la población africana que había sido llevada como esclavos desde África. La adaptación de las prácticas musicales que realizaba esta comunidad en su lugar de origen a la nueva situación y contexto junto a una apertura a la música popular estadounidense y a las melodías que provenían de Europa dará como resultado una serie de combinaciones que forman las raíces del Jazz.
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Entre las manifestaciones musicales que son el germen del Jazz en estos primeros años se encuentran los Espirituales, el Gospel y los cantos de trabajo, el Ragtime, la música de bandas callejeras o el blues, estilos todos que aportarán, en mayor o menor medida, alguna de sus peculiaridades a un estilo que poco a poco evoluciona y adquiere una dimensión internacional.
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Stride Piano
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Este estilo de Jazz está asociado con una técnica concreta utilziada por los interpretes de piano caracterizada por el uso de la mano izquierda cuyo movimiento le da su nombre (Stride = zancada). Esta se encarga del acompañamiento que realiza rellenando los cuatro pulsos de un compás alternando el bajo (1 y 3) con acordes (2 y 4) mientras la mano derecha realiza desarrollos melódicos improvisados.

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Esto es lo que haría una mano izquierda de Stride Piano:
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Si bien esta técnica es en buena parte una herencia del Ragtime ahora se introducen otros elementos que no estaban presentes en el estilo de Nueva Orleans como la improvisación (el Ragtime eran a menudo arreglos acabados para piano), el fraseo de swing y la aparición de blue notes. Esta forma de interpretar al piano tomó forma entorno a los años 20 del siglo XX en Harlem (un barrio de Nueva York) por lo que a veces se le conoce como New York Ragtime.
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Bebop
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El Bebop surgirá como una alternativa a las grandes formaciones de Swing que habían triunfado durante el primer tercio del siglo XX. Las inquietudes de los músicos más jóvenes, que veían estas Big Bands demasiado restrictivas creativamente, y las dificultades de la mayoría de los salones de baile que tras la segunda guerra mundial no pueden permitirse el coste de agrupaciones tan grandes, darán como resultado la aparición de agrupaciones más pequeñas que permitían un amplio margen creativo y una mayor libertad para improvisar siendo al mismo tiempo una opción rentable para los locales de conciertos.
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No obstante el Bebop ocupará un lugar más marginal que el que habían tenido las bandas de Swing ya que las sonoridades se oscurecen, las melodías se vuelven más caóticas y nerviosas, los tempos se aceleran considerablemente, los ritmos se hacen más complejos, en parte por la influencia de las polirritmias latinas, y las armonías adquieren un carácter disonante, un endurecimiento que hará que el jazz se aleje del gran público.
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Es también ahora cuando la presencia de la improvisación en el Jazz alcanzará uno de sus puntos más álgidos materializándose en múltiples Jam Sessions, sesiones en las que los músicos quedaban para tocar juntos sin ensayo previo. Escogían un tema que todos conociesen y improvisaban sobre él demostrando su virtuosismo y compartiendo sus hallazgos técnicos.
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Cool Jazz
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Entorno a 1950, diez años después del auge del Bebop, la furia y energía que lo habían caracterizado evoluciona, de la mano de algunos de los principales músicos Bebop, hacia una apariencia más equilibrada. Cuando Miles Davis publica su Birth of the cool este se revela como una declaración de intenciones en la que se minimiza la influencia de las sonoridades Blues que identificaban el Jazz con las raíces de la población afroamericana, al tiempo que se reduce el margen improvisado, el ritmo se vuelve más estable, las armonías se dulcifican y las melodías se hacen más sofisticadas, menos convulsas, adquiriendo un perfil más reconocible.
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Todo esto hará que el Jazz vuelva a mostrar su lado más amable recuperando de nuevo la atención del gran público.
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Además de conocerse con el nombre de Cool (calmado) también se bautizará con el de West Coast Jazz, ya que la mayoría de los músicos que lo desarrollaron vivían en la costa Oeste de los EE.UU.
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Hard Bop
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Aquellos músicos Bebop que no se adaptaron a la nueva tendencia Cool que habían creado algunos de sus contemporáneos seguirán profundizando en las raíces afroamericanas frente a la entrada de elementos europeizantes. Así el Hard Bop insiste en los giros Blues y Gospel al tiempo que los ritmos se hacen más estables respecto al Bebop.
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Free Jazz
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La tendencia cada vez mayor a la expresión libre de los músicos que se había iniciado con el Bebop, la influencia de ciertas tendencias vanguardistas en la música Americana y Europea que tienden a la atonalidad provocarán que en 1960 se produzca una importante fase de experimentación en el Jazz. Los músicos pasan a preocuparse no tanto por las notas, las relaciones armónicas, las estructuras rítmicas o la partitura como por sus posibilidades tímbricas, por las disonancias, la liberación del pulso y la improvisación casi total. La intuición casi convulsa se convierte en el principal elemento de este estilo.
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Jazz Eléctrico-Fusión
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A partir de 1970 el Jazz se hará cada vez más permeable a la influencia de otros estilos dando lugar a múltiples fusiones. Al mismo tiempo se produce una pauilatina electrificación que afectará sobre todo al bajo y al piano y que se radicaliza en la guitarra y se introducen los sintetizadores (teclados eléctrico capaces de generar y sintetizar diferentes timbres). Así el Jazz se eleva a los mismos escenarios que ocupaban otros estilos multitudinarios como el rock con el que se mezcla dando lugar al Jazz-rock al tiempo que se combina con otras manifestaciones musicales como el Funk, el Ska, la llamada World Music, etc.
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Jazz contemporáneo
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En la actualidad todos los estilos mencionados conviven en un a libertad expresiva que a veces hace difícil saber donde encajar a uno u otro músico ya que puede recurrir en un mismo concierto a estilos diferentes. Así podemos encontrar momentos en los que la improvisación y las sonoridades atonales se mueven hacia el Free Jazz y otros en los que se recuperan los giros Blues todo ello unido a los instantes Bop o la iluminación más pop que por momentos se aproxima a las escalas modales que ya había introducido Miles Davis.

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